En su mejor momento, el espléndido Teatro de las Artes del Cenart, concluye hoy temporada: “El Mandarín Milagroso”.
“El Mandarín Milagroso”, es un espectáculo de danza contemporánea que explora el deseo, la violencia y la redención desde una mirada contemporánea. La obra, creada por Duane Cochran y Aksenti DanzaContemporánea, se inspira en la célebre partitura de Béla Bartók , tuvo un memorable estreno el 30 de enero y concluye hoy funciones , 1 de febrero en el Teatro de las Artes.
La historia original de Melchior Lengyel es reinterpretada por Cochran, quien propone una lectura renovada de este clásico modernista en diálogo con el Concierto para Violín de Igor Stravinsky. La obra es un programa escénico de gran complejidad musical y emocional, que une la fuerza de la música con la expresividad del cuerpo en un lenguaje contemporáneo profundamente humano y visualmente hipnótico.
“El Mandarín Milagroso” es un cuento espeluznante sobre prostitución, robo, engaño y homicidio, que fue censurado en su estreno en 1926. La versión de Cochran traslada la historia al Barrio de Tepito, en la Ciudad de México, y cuenta con la participación de reconocidos intérpretes y creadores escénicos, como Sebastián Kwapisz, concertino de la Orquesta Filarmónica de la UNAM. Qué manera de abrir el año 2026 en este espacio. Altísimo nivel de ejecución, espléndido encuentro de precisión y sensibilidades.
El elenco de El Mandarín Milagroso en el CENART (Centro Nacional de las Artes) está conformado por la compañía Aksenti Danza Contemporánea, bajo la dirección de Duane Cochran y la coreografía de Cecilia Contreras. En escena: Elena Hernández, Yoshio Córdoba, Jonathan Villeda, Gustavo Morales, Antonio Salcedo, Juan Negrete, Luis Armas y Rodolfo Aguilera. La obra es posible gracias al apoyo del estímulo fiscal EFIARTES de Gran Formato en su edición 2024, otorgado por primera vez a la disciplina dancística. La música, el diseño lumínico y el vestuario se integran para construir una atmósfera poética y visualmente poderosa. El Teatro de las Artes: Un Espacio Emblemático de la Cultura en México.
Teatro de las Artes: Es ya un histórico recinto de la Cultura en México que sin duda atraviesa una de sus mejores épocas, no solo por el nivel del equipo técnico y el funcionamiento estricto para las amplias necesidades estéticas de cada espectáculo que es ahí con sensibilidad programado. El equipo de sala despliega gentileza y es atento a cada requerimiento en términos de seguridad. El CENART nos lleva de un asombro a otro por las propuestas al público que lo han convertido más que nunca en la actual administración, en un sitio cercano y constante en la vida de innumerables habitantes de nuestra inmensa urbe, además de ser un sitio referencial para visitantes del interior de la república y otros países. Generoso e impecable, el pulmón cultural de México. Con imágenes de Diana García. El mandarín milagroso / Cierra temporada.
Fechas y horarios:
– Domingo 1 de febrero , 18:00 h
Lugar: Teatro de las Artes, Cenart
Boleto: 200 pesos
El CENART ofrece descuentos del 50% para estudiantes y maestros (con credencial vigente) en taquilla y para sus cursos, además de promociones como el “Miércoles 2×1” en espectáculos, que suelen ser exclusivas de taquilla, y a veces descuentos especiales para donaciones o en plataformas como Promodescuentos.cenart.gob.mx
En el Teatro Varsovia, la artista multidisciplinaria Valeria Vega Solórzano presenta su espectáculo unipersonal “Rebozo”, un viaje a través de la tradición, la identidad y los dilemas humanos. Con la dirección de Luis Escárcega y música original de Celso Duarte, esta obra única explora el proceso de elaboración del rebozo, una prenda tradicional mexicana que se convierte en metáfora de la vida.
El rebozo abriga, acuna, abraza, enluta y celebra, según sea la ocasión de muerte o de fiesta. El rebozo también baila, serpentea junto con el cuerpo que danza y atrapa. Amoroso, el rebozo amansa y apacigua; entonces el movimiento es lento, con cadencia, suavecito, como arrullando a quien lo mira.
Mantear el cuerpo para sacar las penas que se alojan en los músculos y las articulaciones, la tensión. De un lado a otro, la sobandera mueve su rebozo y el cuerpo tendido encima de él se balancea: péndulo vivo que recupera el centro. El rebozo que nos cura.
Sobre los hombros descansa el rebozo; levanta las orillas alegres cuando se camina ligerito. A veces se acopla a la espalda y al pecho, cubriendo del frío y de las penas, o a un niño pequeño que duerme mientras su madre trabaja.
“Rebozo” es una fusión de música, danza y teatro que cuenta la historia de una mujer que regresa a su tierra para despedirse de su abuela y redescubre su identidad y el legado que la tradición rebocera le ha heredado. La obra es un homenaje a la mujer, a la madre, a la trabajadora y a la guerrera, y a sus ancestros, que viven en el espíritu de esta prenda.
Valeria Vega, maestra, coreógrafa, directora y productora, busca recordarnos que al hablar del rebozo también se habla de los hilos de la vida. “Rebozo es una obra de muchas lecturas, porque mi cuerpo físico danzante está al servicio del personaje”, expresó en entrevista exclusiva para Los Reporteros MX.
A.G.¿Cómo puede el proyecto “Rebozo” ser visto como un acto de resistencia epistémica en un mundo globalizado, y qué papel juega la interdisciplina en esta resistencia?
V.V.Rebozo propone en su discurso la búsqueda de la identidad a través del cuestionamiento y la conciencia de los orígenes desde la sencillez de la cotidianidad. Apuntar nuestro discurso semiótico hacia una prenda artesanal, como símbolo y bandera no solo de la mexicanidad que representa, sino de la importancia de los procesos artesanales, su legado y valor cultural en un mundo industrial y globalizado. Se generó conocimiento a partir de la investigación del proceso de realización de un rebozo, que se complementó con el cruce de perspectivas para sublimar dicho proceso: desde el trabajo artesanal hasta la escenotecnia que cobija la propuesta y el discurso que empleamos para su difusión. Consideramos que hacer equipo y estar verdaderamente presentes en los ensayos y reuniones creativas es una forma de resistencia frente a la hiperinformación y el uso de la inteligencia artificial, por ejemplo.
A.G.¿De qué manera el rebozo se convierte en un dispositivo de narración que desafía las estructuras coloniales de representación, y cómo se refleja esto en la fusión de la danza, el teatro y la música?
V.V. El rebozo como signo se busca potenciar escénicamente aprovechando la estructura tradicional de representación, pero desde un pensamiento lúdico que, más allá de cuestionar los métodos convencionales del teatro, se ritualiza con anécdotas personales de la intérprete y se extiende su dimensión romántica mediante el uso de la voz, la honestidad del cuerpo y la sonoridad única de la música tradicional mexicana. No se trata de cruzar disciplinas por capricho, sino de un collage visual y creativo, único y vibrante.
A.G.¿Qué significa para ti escenificar “Rebozo” en un contexto poscolonial, y cómo se relaciona con la idea de “descolonizar el cuerpo”?
V.V. Ha significado hacer un recuento de mi vida, de las imágenes que me remiten a mi hogar, mis raíces y mi país, para aterrizarlas en un texto y echar mano de los recursos técnicos y artísticos asimilados a lo largo de una vida, no solo mía sino del equipo creativo. Implicó romper límites personales, académicos y corporales, para explorar nuevos recursos desde la voz hasta la danza. En Rebozo, mi cuerpo siente, se mueve y se relaciona desde la honestidad y la verdad que narro en cada escena. Ha sido un gozo y un desafío.
A.G.¿Cómo se articula la fusión de la danza, el teatro y las raíces mexicanas en “Rebozo” como una forma de epistemología del sur, y qué implica esto para la comprensión de la identidad mexicana?
V.V. La necesidad artística de nuestro equipo se consolida por el amor al país. Rebozo es un homenaje a las raíces mexicanas, no necesariamente una postura de confrontación frente al capitalismo o al occidente hegemónico. Si la reflexión surge, es porque la inercia global y social nos ha llevado a cuestionar de forma urgente una identidad profunda, rica y viva.
A.G.¿Es el rebozo un símbolo y al mismo tiempo una investigación plástica en tu propuesta? ¿Cómo fue esta exploración?
V.V. Sí, y también lo son los hilos. Metafóricamente, la vida se teje como un rebozo, y esos hilos se utilizan plásticamente a lo largo de toda la obra. El rebozo como objeto tiene un tratamiento escénico que dialoga con su elaboración artesanal, potenciando su belleza a través de la textura, el color, el peso y las dimensiones. La exploración comenzó desde la dirección, el vestuario, la coreografía y los usos cotidianos del rebozo. El diseño de iluminación evoca espacios donde los tejidos vibran o absorben la luz.
A.G.¿Cómo se refleja la colaboración interdisciplinaria en “Rebozo” como un modelo de creación colectiva y descolonizada, y qué lecciones deja para futuras creaciones artísticas?
V.V.Rebozo es una creación colectiva afortunada, donde cada colaborador ha aportado desde su experiencia y sensibilidad. El arte escénico, por naturaleza, debe generar confianza y trabajo comunitario, y este proceso lo ha logrado. Es también una reflexión sobre la participación activa de mujeres y hombres hacedores de cultura intangible en México. Este modelo nos impulsa a realizar giras, acompañadas de talleres y espacios de diálogo con las audiencias, fortaleciendo a las compañías independientes y su valor cultural.
A.G.¿El rebozo es entendido en esta pieza como cuerpo territorio?
V.V. Así es. Desde las epistemologías decoloniales, el rebozo se concibe como memoria corporeizada de abuelas y madres mexicanas, un símbolo de autoconsciencia, arropo y resistencia. Más allá del indigenismo o la lucha social explícita, el Rebozo que mostramos es una mezcla de significado y ornamento, de cobijo y resiliencia, sostenida por la fuerza de los ancestros.
A.G.¿Cómo se dio el encuentro con el resto de los creadores y cómo se estableció el proceso?
V.V. Desarrollé el proyecto desde 2022, iniciando una investigación profunda en literatura, poesía, música y danzas relacionadas con el rebozo. Tras obtener el PECDA 2023, invité a Luis Escárcega para la dirección, quien fue clave para aterrizar el texto. Más adelante se integró Celso Duarte, creador de la música original, y Libertad Mardel, con quien ya había colaborado. En 2025, se sumó Juan Carlos Flores, aportando de manera decisiva como diseñador lumínico, productor y asistente de dirección y coreografía, con una mirada sensible y certera.
Fechas y lugar: Miércoles 11 y 18 de febrero, 20:00 horas Teatro Varsovia (Varsovia 9, colonia Juárez)
No te pierdas esta oportunidad de experimentar “Rebozo”.
La Federación Mexicana de Circo (FEMEC) fue lanzada oficialmente en el Centro Nacional de las Artes (Cenart), con el objetivo de fortalecer y articular al sector circense a nivel nacional. Esta iniciativa ciudadana y horizontal busca generar espacios de organización, diálogo y colaboración entre los diferentes actores del circo en México.
La FEMEC reconoce al circo como arte, práctica cultural, forma de vida y espacio de incidencia social, y busca visibilizar y promover el desarrollo del sector en toda su diversidad. El lanzamiento contó con la participación de autoridades y personalidades del ámbito cultural y circense, quienes destacaron la importancia de esta iniciativa para el crecimiento y reconocimiento del circo en México.
La creación de la FEMEC es un logro importante para el sector circense mexicano, ya que busca generar un espacio de colaboración y diálogo para promover el desarrollo y la visibilidad del circo en el país.
La creación de la FEMEC es el resultado del compromiso de un grupo diverso de organizaciones, compañías, asociaciones, artistas y profesionales del circo en México. Han aportado su trabajo, experiencia, tiempo y apoyo económico para hacer posible esta iniciativa.
El circo en México es una manifestación artística con raíces históricas y culturales profundas, que se ha adaptado a contextos contemporáneos y responde a realidades sociales diversas. Además de su valor artístico, el circo cumple una función social importante: genera comunidad, promueve el acceso a la cultura, fomenta el trabajo colectivo y articula saberes corporales, técnicos y creativos transmitidos entre generaciones.
La FEMEC nace para generar espacios de organización, diálogo y colaboración entre artistas, asociaciones, compañías, escuelas, investigadores, técnicos y otros agentes del sector. Su propósito es construir un espacio incluyente y plural, que refleje la diversidad de prácticas y contextos del circo en México.
La Federación invita a todas las personas y organizaciones vinculadas al circo en México a unirse y fortalecer este espacio común de reconocimiento gremial a nivel nacional. En la presentación de la Federación Mexicana de Circo (FEMEC) en el Centro Nacional de las Artes (CENART) hoy, estuvieron presentes varias figuras importantes del gremio circense mexicano. Algunos de ellos fueron Claudia Ramírez, presidenta de la FEMEC; Rodrigo Hernández, tesorero; Charlotte Pescayre, vocal de la federación; Andrea Peláez, secretaria de la organización; Bruno Díaz León, vicepresidente; Jesús Ramírez Cuevas, coordinador de asesores de la Presidencia de la República; y Vicente Jurado López, director del CENART.
La maestra Andrea Peláez, directora de la licenciatura en artes circenses contemporáneas LACC y cofundadora de la compañía CIRKO DE MENTE, pionera en el arte circense contemporáneo en México nos compartió: “Las Bellas Artes, constructo histórico europeo del siglo XVIII, dejó fuera a expresiones sin duda artísticas, como las que podemos englobar en el término Artes Circenses, hecho que ha marcado una diferencia en cuanto a la apreciación y valoración de las formas artísticas no consideradas como “bellas”.
Queda claro que esto ha sido parte de un sistema de pensamiento inserto en el colonialismo y en una visión de “mejores y peores” sumamente dañina para la humanidad y este hermoso planeta.
El arte lo hacemos y vivimos siempre; de hecho, una de las características que nos definen a los seres humanos es nuestra capacidad creativa. Las artes circenses se inscriben en esa intuición e impulso de los seres humanos de hacer proezas con el cuerpo, en relación con otros cuerpos, objetos e incluso otras especies animales. En un punto de intersección entre las actividades de alto rendimiento físico y las artes, lo que nos permite reconocer la infinita capacidad que poseemos, la magia y el asombro de nuestro ser.
En el territorio que hoy llamamos México, las artes acrobáticas se han desarrollado de forma rica y diversa. Entre las maravillas que llevó Cortés a los reyes de España incluyó a unos increíbles antipodistas. En el periodo colonial se crearon compañías itinerantes de orígenes criollos, mestizos y negros, que viajaban por la Nueva España. Durante el periodo del gobierno de Juárez, en 1868, por causas no conocidas con precisión, la Cámara de Diputados sesionó por unos meses en el Circo Chiarini, que se ubicaba en el Centro Histórico. Y desde que México es una república hasta la fecha, los circos son de las pocas organizaciones artísticas que han podido cruzar zonas rojas durante conflictos armados y zonas de alto riesgo a lo largo y ancho del país, testimonio vivo de cómo se acuerpa el arte y la cultura de paz.
Las y los artistas de circo mexicano han brillado en los más reconocidos escenarios. El maestro Julio Revolledo decía que era notable lo buenos que somos los mexicanos para volar; ya los primeros españoles que llegaron a nuestras tierras se asombraron con el maravilloso ritual de los voladores.
Dando un salto en el tiempo, es remarcable lo que los trapecistas mexicanos han hecho en los vuelos de trapecio. Comenzando, por el gran Alfredo Codona, quien dominó el triple como nadie antes, los Gaona, con su hermoso doble-doble, y la primera troupe de trapecios en recibir el más alto galardón del circo: el payaso de oro del Festival de Monte Carlo en 1978. Los Vázquez, los primeros en realizar el cuádruple y también ganaron el oro en Monte Carlo en 1990. Ese cuádruple maravilloso volvería a ser presentado por Gino Fuentes Gasca en 2008, los Caballero en 2025, quienes también obtuvieron el payaso de oro. Y este año,los Fuentes Gasca volvieron a asombrar al mundo y obtuvieron el oro.
Menciono esta hermosa disciplina, los trapecios volantes, donde las familias mexicanas han destacado constantemente. Pero en muchísimas disciplinas circenses, los artistas mexicanos han sido los mejores embajadores de México, como se decía de los Atayde en su gira por Brasil hace casi 100 años.
En el terreno de la salud individual y social, la gente de circo somos agentes insumisos al sedentarismo y a la limitación de las capacidades que el sistema actual de vida impone a los seres humanos. Las artes circenses, sin duda, en México son elementos identitarios de nuestra cultura, muy valiosos a nivel artístico, de un impacto social importantísimo, así como agentes de transformación en múltiples campos.
Por eso celebramos hoy el encuentro de esta diversidad en una organización que nos permite reconocernos, pensarnos, visibilizarnos y organizarnos por el bien común. Celebramos sumarnos también a organizaciones y redes internacionales e internacionalistas, como es la esencia del circo, para seguir creando un arte para el mundo, en este contexto histórico en el que apremia recordar y desarrollar nuestras capacidades más sublimes frente a la barbarie.
Asimismo, celebramos estar aquí en el Centro Nacional de las Artes y que los diferentes recintos en el interior del país abran sus puertas para dar a conocer esta vital iniciativa, como punto de partida para generar diálogos constantes, constructivos y colaborativos.
Agradecimiento y amplia invitación a todos los seres que, de una u otra manera, sostenemos esta utopía de hacer circo hoy; Concluyó.
El Edén subvertido, un documental de estreno sobre la realidad social reciente en el pueblo originario donde nació Ricardo Flores Magón, de quien se conmemoró en días recientes su aniversario luctuoso.
El cine político mexicano y el cine social específicamente desde el género documental, tienen en la actualidad una enorme necesidad de mística y de planteamiento psicogeográfico , dada la complejidad de perspectivas falsas y no que nos aprisionan. Decía el Maestro Xavier Robles que el cine político reciente, que indaga desde lo histórico el mostrarnos algún conflicto importante y no lejano, recurría a la mentira desde el momento en que decidía abrazar el melodrama. En el caso de “El Edén subvertido”, Arturo Díaz Santana su director y guionista, mismo que se desarrolla precisamente en el lugar del nacimiento de los Flores Magón, (San Antonio Eloxochitlán, Oaxaca, México), nos brinda una posibilidad de ubicar desde la condensación de lo mítico trágico, una confrontación que implica (universalizando desde el modelo de infinidad de mitos del origen), vínculos cercanos dentro de una comunidad en torno a la disputa por el poder, el territorio y por la capacidad de ordenamientos de la justicia corrompida, apuntalada contra lo autonómico.
En “El Edén subvertido” se muestra la complejidad y fragilidad de la libertad humana planteado con atención bien estructurada frente al reloj implacable que nos sacude y oprime ante un hecho de cárcel política. Un tiempo pasa y se percibe para los oprimidos y otro para el bando opresor. Es también una reflexión documental sobre los tiempos internos, externos, históricos y en tensiones que reconfiguran y cuestionan lo simbólico como nación, como estado cuestionado. No se pone sobre la mesa la redención de un protagonista, si no la inexorable desintegración social y familiar además de la degradación política en el capitalismo tardío. El protagonista es el territorio y los cuerpos en el territorio son su trayectoria atormentada hasta llegar al hecho de sangre.
El paisaje bucólico observado por el mismo Ricardo Flores Magón a modo de pensamiento estatua pero sobre todo de gesto social, genera no una reflexión lineal al elegir el orden de sus pensamientos como escripto-consigna a cuadro; Provoca una consecuencia de significado amplio, de corifeo cuando la realidad en la línea de tiempo marcada a la comunidad, deviene en un plano casi medieval. Al mismo tiempo la localidad situada en un enclave mágico y etéreo además de tiempo suspendido en espiral que no termina, redimirá y levantará puntual la voz fundacional del magonismo como pensamiento ético y principio humano.
Es una guerra eterna como metáfora lo que se vive en Eloxochitlán y no puede quedar fuera del contexto de procesos de fascistización en que estamos insertos. La cotidianidad de los relatos y el modo en que encarnan ante la cámara las referencias y los rescoldos del conflicto que se plantea, implican otra tensión tan temprana como latente tras la libertad urgente y específica que debe resolverse a lo largo del filme, pero que precede a otra lucha que ha de llegar: “Porque cualquiera que esté una pulgada arriba de nosotros es enemigo”. Escribió el oaxaqueño.
SINOPSIS: La discordia recorre el pueblo originario en donde nació Ricardo Flores Magón. La fractura social de este lugar llamado Nguixó, es contada a través de sus habitantes, quienes exploran las dinámicas sociales, políticas y religiosas, teñidas por la política contemporánea. En el centro del relato quedan sus tradiciones, usos y costumbres, y la vigencia del pensamiento de Ricardo Flores Magón, que aún campea en el imaginario colectivo-. En Eloxochitlán de Flores Magón, las montañas de la Sierra Mazateca resguardan una riqueza cultural y lingüística que convive con profundas tensiones comunitarias: “El edén subvertido se adentra en este universo donde las tradiciones, los rituales y los usos y costumbres marcan la vida cotidiana de sus habitantes, al tiempo que revelan las fracturas que atraviesan a la comunidad”.
Hay un carácter épico en el documental bien logrado a pesar de las dificultades que implica tomar los aspectos que exige la estética del documental mismo. La carga ideológica y política de lo que no se puede sustraer implica la figura de Ricardo Flores Magón como reflexión ante las batallas políticas , ideológicas, contra hegemónicas, partidistas, comunitarias, estéticas y específicamente las que implican a los paradigmas históricos como vínculos instrumentalizantes.
Arturo Díaz Santana: Director y guionista mexicano, es egresado de la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC-UNAM). Su trabajo se centra en el documental como espacio de memoria, identidad y resistencia cultural. Ha dirigido más de treinta cortometrajes y dos largometrajes documentales: Rita, el documental (2018), nominado al Premio Ariel a Mejor Largometraje Documental, y El edén subvertido (2025), que explora las fracturas sociales y culturales en el pueblo natal de Ricardo Flores Magón, en la Sierra Mazateca de Oaxaca. Además de su labor creativa, se desempeña como docente universitario en áreas de cine y narrativas audiovisuales.
La política del olvido también a se utiliza como camuflaje de reivindicación. Muy lejos del panfleto y más cerca de una poesía subversiva, ajeno a la propaganda y sumamente complejo en lo que a fin de cuentas y selectivamente decide Arturo Díaz Santana exponer a cuadro; se plantea un cine liberador comprometido con un nivel de muchos que a lo largo de la historia pudiéramos allanar o definir como presencia de la ausencia aún más presente al buscar silenciarla, también es un ejercicio de arqueología de la modernidad como dialéctica si le damos la perspectiva sin forzamiento de cine antropológico.
Es cine de la memoria a largo plazo y al mismo tiempo de referentes inmediatos y dolorosos; El Edén subvertido no solo nos expone junto con la figura de Ricardo Flores Magón nos interroga sin ambages.
El Edén Subvertido: Arturo Díaz Santana: Guión y dirección; Víctor Hugo Jiménez: Producción; Jaisiel Hernández Máynez: Fotografía ( De orden notable y detonador ), crédito compartido con Sergio Matamoros también fotógrafo y Manuel Castro Rosas en la foto adicional. Sabino Alba Pulido en la edición y Carlos Arriaga, posproducción. Especial mención implica al Maestro Aldo Max en la música, por la resolución desde lo incidental como ritual conceptual. En los momentos de más dificultad en lo anecdótico, sostiene desde lo inmersivo. https://www.arturodiazsantana.com/film/el-eden-subvertido/
Carta al viento, un monólogo espléndido que cierra temporada en el Foro La Gruta del Centro Cultural Helénico.
Se trata un texto de Sebastián de Oteyza y la Maestra Sandra Félix, quienes protagonizan y dirigen el montaje respectivamente, a partir de poemas y relatos autobiográficos de Alejandro González Félix. Este extraordinario poeta, matemático, maestro, nace en la Ciudad de México en 1958 y como la primera de forros apunta en “Él”, su poemario, vería la primera luz frente al Ángel de la Independencia. Alejandro es hijo de padre mexicano y madre norteamericana; con gran arraigo por México en cuanto a idioma y costumbres. Alejandro González Félix estudió matemáticas en Inglaterra y se ha desempeñado como catedrático en diversas universidades de la Ciudad de México y comenzó a escribir poesía porque le resulta apremiante escribir una larga carta de amor que cada vez se renueva.
La puesta en escena nace del deseo de la directora, hermana del poeta, de darle cuerpo y voz a una vida que se expresó, y sobrevivió, a través de la escritura:Eres bonsái, rosa, cerezo en flor ¿No habría de amarte?
Alejandro González Félix.
La Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Centro Cultural Helénico, y la compañía TeatroLab llevan al Foro La Gruta este íntimo drama, protagonizado por el actor Sebastián de Oteyza, que entrelaza razón y deseo. Sebastián nos brinda generoso prestancia y riesgo fino en lo que a corporalidad y conceptualización desde el movimiento y construcción notables, además de profunda entrañabilidad.
Es magistral la perspectiva de espacio con que Sandra Félix arranca la primera escena que devendrá en el seguimiento de la historia de Alejandro, un profesor de matemáticas en sus treinta y tantos, al que implica con metáforas múltiples de analogía precisa. Es el elemento metonímico un elemento de construcción rítmica desde la dirección y que nos sorprende en sus últimas consecuencias con un profundo ejercicio de mostrarse, tocarse y develarse desde la creación de todos los implicados. Un monólogo que es disfrutado como un conjunto de creación colectiva es un triunfo. Es el caso.
El pensamiento del personaje jugará con las casualidades y probabilidades de flirtear con Julen, un capitán de meseros de enorme presencia y belleza (a quien la obra nos hace visualizar de manera nítida, ahí parte de la gran magia atestiguada); un relámpago emocional que se transformará, mediante la escritura, un lustro de intensidad, de vuelcos emocionales e infinita pasión.
Este monólogo da cuerpo a una historia de amor que se transforma en escritura, dolor y salvación pero de forma particular, en pieza trágica redonda, sutil y devastadora. “Carta al viento” nos abre la compuerta a la obsesión como paradigma amoroso de la autodestrucción latente. También es homenaje a los detalles en los recuerdos, a las psicogeografías de los paraísos y los infiernos perdidos.
El montaje en lo psicológico planteado de forma episódica con la iluminación de Phillipe Amand, se atreve a concebir atmósferas y ritmos que rebasan el rigor y el estilo al que nos tiene acostumbrado en su excelencia. Nos interna su luz hacia nosotros mismos, bien compaginado con las decisiones sonoras de situación que aquí manifiestan un ejemplo claro de la precisión en lo auditivo como herramienta paisajista pero sin ambigüedades.
Por ti me río
Y algunas veces lloro:me siento vivo.
Alejandro González Félix.
Con imagen de Eduardo Ornelas de la puesta en escena; también compartimos la portada de: “Él”, poemario publicado por Trilce Ediciones que inspira y a partir de donde nace esta: “Carta al viento”, un texto de Sebastián de Oteyza y Sandra Félix también en la dirección de escena, que cierra temporada este año con las funciones del 10 y 11 de noviembre de 2025 20: 00 hrs, en el Foro La Gruta de Centro Cultural Helénico. Centro Cultural Helénico. Avenida Revolución 1500: helenico.gob.mx y mexicoescultura.com
Sara, la bruja inventada por el salinismo, sobrevive esperando justicia y refugiada en las artes, aunque los años del neoliberalismo buscaron aniquilarla.
En Triage, tanto Artes, como Antropologías y Memoria se condensan a varios niveles temas con la complejidad de nuestros tiempos en materia cultural de nuestro país, así como en otras latitudes donde se establezcan vínculos que resaltar. El trabajo periodístico que llevamos a ustedes es de investigación inmersiva. Es así que en exclusiva para LosReporteros.Mx, en el contexto del concurso de ofrendas de Día de Muertos que tiene lugar en distintos centros de ejecución de sanciones, reclusorios, centros femeniles y distintos espacios de readaptación de la Ciudad de México: a través de la SSC/Subsecretaría del Sistema Penitenciario, en un proyecto notable y muy importante por su significado, mismo que merece reconocimiento por el gran trabajo que hace como institución en la actual administración y que lleva por nombre: “Ofrenda monumental 2025”. Esta contó con una enorme participación y preparación previa de meses, por parte de las poblaciones internas participantes. Una ofrenda entregada, artística, gastronómica y plástica. La tradición trasciende en espíritu la reclusión.
Así, con este marco, tuvimos la oportunidad de contar con el testimonio directo de Sara María Aldrete Villareal: entusiasta participante de dichas actividades siempre y hace décadas, desde su aprehensión en 1989, a pesar de las terribles violaciones a sus derechos humanos, de ser víctima de torturas que en el expediente constan tras reiterados peritajes, partes médicos y estudios numerosos, entre los que se encuentra el protocolo de Estambul.
A pesar del estigma mediático que la bautizara en los medios masivos que en conjunto se tornaron amarillistas para su caso, apodándola con el claro cálculo de hacer la noticia vendible y generar en aquel turbulento periodo posterior al fraude de 1988, un golpe mediático-cortina de humo al estilo chupacabras como: “La narcosatánica”. En realidad, una de las sobrevivientes de la banda “diabólica” que llenaba los diarios con la narrativa de que aquella mujer era el mal y había sido capturada por el gobierno como presa trofeo para el mal vecino del norte.
Sara, el ser humano tras ese expediente y del mote que la ha estigmatizado, es gracias al arte que sobrevive. A lo largo de casi cuatro décadas ha sido un personaje principal en actividades culturales en reclusión con un sinfín de obras de teatro en las que ha sido actriz, directora y dramaturga (ganando en uno de los certámenes más importantes, el premio Iberoamericano de pastorelas hace algunos años). Maestra y alumna de talleres de creación literaria, exposiciones de artes plásticas, así como de extensión educativa y cultural. Sara, protagonista de una serie estrenada en HBOmax, en donde sigue insistiendo en su versión y su inocencia, nos comparte:
-Estoy llena de esperanzas y de mucho dolor. El dolor que da la pérdida no sólo de la libertad sino de mis seres amados y de los años transcurridos en la espera. Casi al término del 2025 necesito estar la mayor parte del tiempo en una silla de ruedas por el problema de espalda que tengo, así como distintos padecimientos consecuencia de las torturas a las que fui sometida. La justicia para mí es una utopía pues ha sido inalcanzable e inaccesible.
No sé si esta situación se deba a la falta de contactos, de dinero, a la falta conciencia de lo que ha significado mi caso en quienes a lo largo de todo este proceso legal han estado vinculados. Hay cobardía y temor para hacer justicia conmigo porque sigue siendo una papa caliente. Siempre persiste el miedo de ser juzgados por que se resuelva a favor. Yo he pasado mucho tiempo en prisión, me han tocado sexenios de los tres partidos, ya pagué mi condena.
Desde el 6 de mayo de 1989, mi detención y que ya pasé muchos años en el entonces Femenil Oriente, después en la primer década de este siglo, otra etapa en que se inauguró Santa Martha femenil y donde fuimos reubicadas, entonces las condiciones iban empeorando pero sólo sería el preámbulo de lo que lamentablemente ocurriría a nivel nacional en materia de derechos humanos tras la llegada de Felipe Calderón al poder y después de Enrique Peña Nieto. PRI-PAN, representaron una época en que no sólo a mí sino en varios niveles del sistema penitenciario, las vejaciones se generalizaron: Traslados a Mexicali, “el hongo”; Tijuana, subir y bajar de aviones en medio de golpes, revisiones; burlas e insultos, encadenada con otras compañeras estando desnudas. Tratadas como cosas, peor que cosas. Todavía me tocó Islas Marías y ahí pude sentir con las manos el agua del mar nuevamente por una sola vez. Después estuve en Mazatlán y según órdenes de arriba (Genaro García Luna), ahí yo era persona non grata, así que fui a dar al de Máxima Seguridad de Tepic, Nayarit. Tantos años después de mi detención y fui aislada de mi familia sin haber incurrido en ningún tipo de conducta que lo ameritara. Fueron cinco meses en que mis familiares y amigos no supieron nada de mí. ¿Qué pinche culpa tiene la familia para ser también satanizada y maltratada conmigo? En Tepic ni siquiera podía traer un reloj, escuchar una radio. En Tepic no había ningún tipo de actividades culturales, artísticas, recreativas. ¿Por qué esa saña contra mí de ese grupo en el poder? ¿Qué secretos se supone que consideran que guardo que sigo siendo tan peligrosa para ellos? Buscaban acabarme.
En 2015 se inaugura Coatlán del Río en Morelos y ahí pude tener acceso a una televisión, no hablo de privilegios, hablo de no ser sólo un número como en Tepic que era la 147, en Islas Marías la 37. Hablando de la muerte en estos días de tradición, de la muerte sagrada; recuerdo cuando le pregunté a una oficial en ese periodo de mi vida en que realmente sentía que perdía mi propia identidad: “¿Qué sucede si una interna muere?” “La metemos en una bolsa y la mandamos como paquetería”. Esa fue la respuesta.
El 6 de marzo de 2018, estando en Coatlán, Sara ganó un amparo y fue cuando vino el traslado a la Torre Médica de Tepepan en la Ciudad de México, donde después de esos terribles años de los sexenios mencionados, su cabello ya era blanco, su estado de salud muy debilitado, fue hospitalizada tres meses, desnutrida.
Sara menciona autoridades importantes que han por otra parte mostrado el lado humanode las políticas penitenciarias, tal es el caso del Licenciado Antonio Hazael Ruiz Ortega, que ha ocupado cargos importantes en el sistema de prisiones, tanto en la Ciudad de México como a nivel federal. En agosto de 2022, fue designado por el ex presidente Andrés Manuel López Obrador como titular del Órgano Administrativo Desconcentrado Prevención y Readaptación Social (OADPRS), cargo que ocupa hasta la fecha. Anteriormente fue subsecretario del Sistema Penitenciario en la Ciudad de México y es de esa etapa que Sara recupera una frase expresada por él: “La readaptación no puede existir sino la reinserción”.
Sara Aldrete cumple con todas las condiciones para su pre-liberación, no obstante en el juzgado segundo de distrito de penales federales de Matamoros, Tamaulipas, tras una audiencia de cinco horas en donde se presentaron alegatos sólidos, en presencia de una perito en psicología, género y DH, se determinó que no se le otorgaba la libertad porque no hay una supuesta reparación del daño. Esa reparación ya no es válida como argumento pues prescribió en 2017.
Esta conversación con Sara Aldrete forma parte de una investigación que también apareció desde otra perspectiva mucho más personal en el podcast: “Datos duros” el 12 septiembre del presente año. Esta emisión conducida por el periodista y director editorial de LosReporteros.MX: Ricardo Sevilla y Oscar Morales, tuvo la característica y el objetivo de mostrar una perspectiva humana compleja y cotidiana de Sara Aldrete. La amistad que quien esto escribe ha mantenido con ella desde hace ya dos décadas, no es un atenuante que apele a la simpleza en los argumentos respecto a su caso, ni quita validez en ese sentido a una opinión sobre el personaje que abordamos más allá del engendro mediático y biopolítico creado a finales de los ochentas. Son hilos que se entretejen con complejidad de índoles diversas.
En este artículo, y con sólo un fragmento de la entrevista que nos ha dado en exclusiva, se pone nuevamente el dedo en la llaga sobre un caso paradigmático para el sistema de justicia y los medios de comunicación en nuestro país. Es también el inicio del proceso de escritura de un libro que aparecerá en 2026, que a detalle y con datos, nombres y fechas precisas dará un relato crítico del estado actual del caso. Para Sara Aldrete es importante mencionar el cambio a favor que ha establecido la actual administración a nivel federal y, en este caso, la local para quienes se encuentran internas. “Sí, es tiempo de mujeres tal como lo dice la Presidenta. No lo digo de dientes para afuera”, subraya.
El objetivo principal es que no se nos olvide que hubo tiempos en que los medios no tenían contrapesos ni soñando. Que las decisiones sobre la vida de otros seres humanos desde el poder, cuando sus intereses podían verse implicados en historias imposibles de creer, estaban estructuralmente vinculadas con prácticas medievales de tortura para obtener confesiones a modo. No puede haber nunca más otro Penal de “Topo Chico” como sucursal del infierno, ahí sí, y casualmente, que viviera sus peores épocascuando Genaro García Luna más poder tenía como supuesto “súper policía” del país.
Esto va más allá de la invención del personaje de la “narcosatánica”, insisto, más allá de sus responsabilidades legales, su proceso penal, sentencia y todos los años que ya purgó. Decía Lyman Frank Baum, escritor norteamericano, autor de El mago de Oz: “Uno de mis temores más grandes era hacia las brujas, porque mientras yo no tenía poderes mágicos, descubrí muy pronto que las brujas poseían el don de hacer cosas extraordinarias”. En el caso de Sara Aldrete, lo extraordinario ha sido sobrevivir, el don de seguir creando, pintando, compartiendo, el don de seguir esperando.
Mari Froes, la joven estrella de la música brasileña, cautivó Barcelona con conciertos memorables, fusionando MPB, jazz y rock, y rindiendo homenaje a la música mexicana, consolidándose como un fenómeno global.
La tarde noche del 21 de octubre en la convulsa, compleja y palpitante Barcelona España, este otoño que corre fue testigo de dos conciertos del nuevo icono de la música brasileña: Mari Froes. Y es que en esa ciudad torre de Babel, la cantante y compositora de 23 años nacida en São Paulo, generó una expectativa entre ritual y oracular con localidades agotadas desde cuatro meses antes para ser testigos de una adoración naciente que se ha convertido en un boom global.
En exclusiva para Los Reporteros. MX, desde la Sala Jamborre Jazz Club, uno de los espacios emblemáticos de la ciudad, ubicado en la Plaça Reial y muy cerca del barrio gótico, es que atestiguamos esa profecía cumplida del sonido de nueva ola de MPB (Música popular brasileira), un género que combina estilos tradicionales brasileños (samba, samba-canção y baião) con jazz y rock.
Con canciones como la referencial: “Espelho” o uno de sus primeros tracks: “Eu”; la inigualablemente bella: “Gabriela” y su estreno más reciente de video oficial apenas a horas de subir a plataformas: “Figa De Guiné”, poderosa como ofrenda a la deidad del mar y con el Mediterráneo a pasos, es que Mari haría flotar con ella a la audiencia que vía virtual peleó hasta lo último las entradas vía postreventa multicultural de nuestros días y que marcó además con atmosferas únicas más allá de lo anecdótico también esa noche. Previo al concierto y ante la fila que esperaba, una cantante urbana catalana y su guitarra se instaló frente a la sala para cantar algunos de los éxitos de Froes como preámbulo, un fenómeno.
Con la joya sorpresa de la noche en deslumbrante interpretación del clásico universal: “Bésame mucho” de la compositora mexicana Consuelo Velázquez; Mariana Ferreira Froes, de presencia elegante y voz única, renueva el gozo sutil de distintas generaciones, ese que sólo desde la sensibilidad de artistas como Mari revelan al cantarle a algo tan común como explotado haciéndolo sentir nuevo y totalmente fresco, la canción al amor, por el amor y desde la experiencia estética que imprime con su estilo de casi trance.
Con un espléndido potente Danilo Moura en la percusión y con Caio Andreatta, filigrana pura en las guitarras, el concepto para esta gira por distintas salas de Europa de Mari Froes es estremecedor y fino, al tiempo que estalla a distintas latitudes la Marimanía melómana.
Ante el asombro por la tremenda experiencia de escuchar a Mariana Froes en directo, no nos queda más que esperar y recomendar atención especial a las fechas que han de confirmarse para la primavera del 2026 en México. Exponente excelsa de la por antonomasia y tradición siempre admirada música brasileña contemporánea popular en nuestro país, también vale la pena mencionar y reconocer el trabajo de la productora Red Mango Music detrás al tiempo del éxito de este suceso y que poco a poco ha ido encontrando en México, las coordenadas que hagan llegar a oídos que aún desconocen a qué suena esa nueva leyenda de la música que brota en el mundo, se llama Mari Froes.
