Lauryn Hill irrumpió en el sorteo del Mundial 2026 con una actuación poderosa, emotiva y poco habitual en eventos institucionales. La rapera brilló al presentarse con su hijo en el Kennedy Center de Washington D.C., donde transformó un protocolo deportivo en un acontecimiento cultural.
La presencia de Lauryn Hill en el Sorteo Final del Mundial 2026 sorprendió al público del evento. La artista, que rara vez aparece en ceremonias de corte institucional, acaparó reflectores desde el primer momento en que pisó el escenario para recibir a su banda, un gesto que ya anticipaba que algo distinto estaba por venir.
La ceremonia, realizada en el Kennedy Center, había mezclado música y protocolo durante toda la tarde, pero nada provocó tanta atención como el anuncio de la rapera. En un ambiente de luces, cámaras y tensiones previas al acomodo de grupos mundialistas, Hill irrumpió con su sello: profesionalidad, poder y absoluto dominio del escenario.
La emoción escaló cuando Miss Lauryn Hill invitó a su hijo al escenario, un gesto que sorprendió incluso a quienes siguen de cerca su trayectoria, pues lo presentó como un gran fan del fútbol, y juntos interpretaron fragmentos de sus canciones, provocando una respuesta cálida tanto en el recinto como en redes sociales.
La actuación no fue extensa, pero los pocos minutos bastaron para recordarnos por qué su obra —desde “The Miseducation of Lauryn Hill” hasta “The Score” con The Fugees— continúan como una referencia para la música urbana, el soul y el R&B. En un evento donde la FIFA buscaba mezclar espectáculo y diplomacia, Hill aportó autenticidad, cualidad que escasea en ceremonias de este corte.
Su presencia permitió que el sorteo no solo quedara marcado por decisiones futbolísticas, sino por una muestra de arte que reafirmó el impacto internacional de la cantante oriunda de Nueva Jersey, una figura que conserva su aura incluso en apariciones esporádicas en escenarios globales.
En un evento dominado por discursos oficiales, patrocinadores y cámaras, la “mal educada” Lauryn Hill logró lo que muy pocos artistas consiguen en espacios tan rígidos: convertir un trámite deportivo en un acontecimiento cultural.
Elton John confirmó que perdió la visión del ojo derecho y que el izquierdo también está comprometido. La infección ocular que sufrió hace 15 meses transformó su rutina, afectó su carrera y modificó profundamente su vida familiar.
Elton John atraviesa uno de los momentos más complejos de su vida. De acuerdo con declaraciones publicadas por Variety y retomadas por People, el músico británico reveló que quedó completamente ciego del ojo derecho, mientras que el izquierdo también presenta un deterioro severo. El origen fue una infección ocular sufrida en 2024, que terminó por alterar su cotidianidad, su trabajo y su rol como padre.
Durante los últimos 15 meses, la pérdida de visión lo obligó a reorganizar su mundo: ya no puede leer, ver a sus hijos jugar deportes ni identificar rostros con claridad. En una entrevista con The Times, confesó el impacto emocional de este cambio abrupto: lo angustiante que ha sido no poder participar de actividades básicas y lo difícil que ha sido adaptarse.
En medio de este proceso, el sostén emocional de su esposo David Furnish, sus hijos y sus amigos más cercanos ha sido fundamental. Paul McCartney suele llamarlo por FaceTime, mientras que Keith Richards le envía correos de aliento. Pequeños gestos que, en palabras del propio Elton, “le alegran el día”.
A pesar de la incertidumbre, mantiene la esperanza en que la ciencia pueda ayudarlo eventualmente. Hasta entonces, afirma que debe ser paciente, fuerte y consciente de que aún conserva lo más valioso: su familia, su círculo íntimo y la capacidad —aunque parcial— de ver.
Rosalía anunció que Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey formarán parte de su gira ‘LUX’ en agosto de 2026. Serán sus siguientes conciertos en nuestro país tras su histórica presentación en el Zócalo en 2023.
Rosalía confirmó que su nueva gira LUX, donde presentará su álbum del mismo nombre, incluirá tres conciertos en México, noticia que sus seguidores esperaban desde que la cantante adelantó sus planes en un mensaje de Spotify Wrapped. En el video, agradeció a sus fans y dijo que tenía “muchísimas ganas” de reencontrarse con ellos.
El 4 de diciembre, la española compartió un clip en Spotify donde dio a conocer la existencia del tour, aunque en ese momento no detalló fechas ni ciudades. La expectativa creció hasta que finalmente reveló la ruta completa.
Las presentaciones en México serán las siguientes:
Guadalajara, Arena VFG: 15 de agosto de 2026
Monterrey, Arena Monterrey: 19 de agosto de 2026
CDMX, Palacio de los Deportes: 24 y 26 de agosto de 2026
Esta será la primera visita de Rosalía al país desde el 28 de abril de 2023, cuando ofreció un concierto gratuito en el Zócalo capitalino como cierre de Motomami World Tour en nuestro continente, donde miles de asistentes corearon sus éxitos y despidieron una de las etapas más influyentes de su carrera.
Los boletos estarán disponibles a través de Ticketmaster México:
La estrella de pop Dua Lipa sorprendió al público mexicano con un dueto sorpresa junto a Fher, vocalista de Maná, al interpretar “Oye mi amor”. El clásico tema del rock mexicano desató la euforia entre los asistentes.
La noche del 2 de diciembre en el Estadio GNP Seguros nos dió uno de los momentos más comentados del “Radical Optimism Tour” en nuestro país, pues Dua Lipa invitó a Fher Olvera, vocalista de Maná, cantar a dueto el clásico “Oye mi amor”, tema del rock latino que desde hace treinta años ha formado parte del soundtrack de millones de mexicanos y latinos, por lo que el público reaccionó con sorpresa y entusiasmo.
El recinto, completamente lleno, reaccionó con una oleada de gritos y luces cuando ambos artistas compartieron el escenario. Dua Lipa, quien ha integrado piezas en español a su repertorio latinoamericano, eligió esta vez rendir un homenaje directo a una de las bandas más influyentes del país, lo que nos dio uno de los momentos más virales de la gira.
Después de interpretar temas como “Houdini”, “Training Season”, “Don’t Start Now” y “Levitating” llegó el tributo a Maná, reforzando la nueva costumbre de la cantante británica-libanesa de ofrecer algo especial en cada fecha de esta gira. En el caso de la noche anterior había sorprendido con la pieza “Bésame Mucho”, de Consuelo Velázquez.
En redes sociales, la reacción fue inmediata: “México es más rápido que la IA”, “Se agradece que haga el esfuerzo de cantar en español” o “Icónica” inundaron las plataformas tras la difusión del video.
La última presentación de Dua Lipa en la Ciudad de México, así como de esta gira por el momento, está programada para el 5 de diciembre, con expectativas de un cierre tan emotivo como las fechas previas.
La estrella británica-libanesa Dua Lipa arrancó el paso de su gira “Radical Optimism Tour” en México interpretando uno de los clásicos más emblemáticos de nuestro país, lo que generó gran entusiasmo entre sus fanáticos y resaltó su conexión con el público latino.
Ayer, 1 de diciembre, Dua Lipa encendió el escenario del Estadio GNP Seguros con una interpretación muy especial de “Bésame Mucho”, tema compuesto por Consuelo Velázquez y considerado uno de los más icónicos de la música mexicana. La cantante británica, que se encuentra de gira por Latinoamérica como parte de su “Radical Optimism Tour”, sorprendió a sus fanáticos al incluir este clásico en su repertorio.
Desde la tarde, seguidores compartieron videos de las pruebas de sonido, confirmando que la canción sería parte del show. Finalmente, la noche del concierto, Dua Lipa hizo vibrar a miles de asistentes con su versión, demostrando su dominio del español y su habilidad para conectar con públicos de diferentes países por medio de la música.
Durante su gira, la cantante ha interpretado canciones representativas de cada país, incluyendo temas populares de Argentina, Perú, Colombia, Chile y Brasil, demostrando así ser una de las artistas pop más versátiles de la actualidad.
El repertoriode la artista incluyó éxitos como Training Season, Break My Heart, Levitating, Physical, Hallucinate, New Rules y cerró con broche de oro con su versión de Bésame Mucho.
La cantante se presentará también el 2 y 5 de diciembre en el mismo recinto, dejando abierta la pregunta sobre qué temas mexicanos versionará.
A 15 años de su publicación, My Beautiful Dark Twisted Fantasy se ha convertido en más que un álbum: es el momento en que Kanye West reconstruyó su carrera, redefinió el estándar creativo del hip hop y legó una obra atemporal.
Hablar de My Beautiful Dark Twisted Fantasy es hablar del momento donde el hip hop, la cultura pop y la ambición artística chocaron para producir un fenómeno irrepetible. El 22 de noviembre de 2010, el rapero oriundo de Chicago, Kanye West, no solo publicó su quinto álbum de estudio: marcó un punto y aparte en lo que podía ser un álbum del género. Una ópera hip hop con tonos barrocos, precisión quirúrgica y grados obsesivos de perfección.
Aquella historia ya es conocida, pero cada aniversario la hace brillar distinto: Kanye, aislado en Hawái, retirado del ruido tras el incidente de los premios VMAs de 2009, decidió comenzar de cero. Sin cámaras, sin alfombra roja, sin micrófonos abiertos. Solo un estudio iluminado a cualquier hora del día, productores rotando como si se tratara de una residencia artística, y un líder que escribió —por primera vez en su carrera— cada verso a mano buscando una sola cosa: perfección. El resultado podía ser hundirse más o renacer.
Por fortuna, fue el segundo, y de ello nació un disco que ya no solamente redefinió el hip hop, sino también de la música en general. El universo sonoro de My Beautiful Dark Twisted Fantasy cuenta con algunas de las composiciones más ambiciosas y magistrales en la carrera de Kanye West, y, sin exagerar, del hip hop en general.
Dark Fantasy abre el álbum pintando un paisaje sonoro de renacimiento, tanto musical como personal. La narración inicial de Nicki Minaj prepara el terreno antes de que el beat caiga con fuerza. Kanye reflexiona de manera bastante sincera sobre el exceso, la fama, el ego y las contradicciones, con una estructura rítmica fluida y una producción que mezcla coros, arreglos soul y percusiones limpias. Una introducción que marca desde el principio la ambición del álbum, la cual oscila entre lo grandioso y lo introspectivo.
Gorgeous es una declaración crítica y elegante, pues su guitarra áspera y el ritmo sombrío enmarcan un comentario directo sobre cuestiones raciales, poder y percepción pública. West rapea con una claridad feroz, articulando frustraciones y contradicciones que, lejos de sonar vacías, se vuelven parte integral del paisaje emocional del álbum. El equilibrio perfecto entre mensaje, música y habilidad lírica.
Power es un himno que examina la fama, el resentimiento y la autocrítica, no solo destaca por su poderoso sample de “21st Century Schizoid Man”, sino también por su energía, su mezcla de voces y coros africanos, así como una estructura hipnótica. Kanye alterna autorreflexión con provocación, y reconoce sus excesos mientras expone la, al parecer, inevitable relación entre fama, poder y destrucción personal. Una pieza que se siente inmensa, calculada y emocionalmente cargada, la cual reafirma la capacidad del artista para transformar la crisis en arte.
All of the Lights, por su parte, es un estallido grandioso, una pieza que se siente diseñada para sonar a todo volumen. La introducción orquestal, las trompetas brillantes y la batería explosiva crean una atmósfera de epicidad. Kanye, quien más que cantante ha tomado el papel de director orquestal en este álbum, articula un relato de fama, caos personal y búsqueda de redención, mientras las voces de Rihanna, Fergie, Alicia Keys, Kid Cudi y Elton John agregan una textura coral que amplifica su dramatismo. Cada capa instrumental está meticulosamente colocada, creando una canción que mezcla espectáculo y vulnerabilidad sin perder impacto.
Finalmente, Runaway es quizá la parte más sincera y vulnerable del álbum: un piano minimalista que se convierte en una confesión musical. La canción es un reconocimiento doloroso de fallas personales. West expone su tendencia al autosabotaje, su distancia emocional y la fragilidad escondida detrás de su figura pública. El uso del vocoder en outro simboliza esa distorsión entre lo que uno es capaz de sentir y mostrar, contra lo que los demás ven y escuchan, logrando uno de los cierres más emotivos y vulnerables de cualquier canción en su catálogo. Es un momento donde la honestidad y el dolor se vuelven audibles.
Una obra que no envejece
Quince años después, My Beautiful Dark Twisted Fantasy sigue siendo un punto de referencia. En 2010, Kanye West cambió las reglas del juego, de nuevo. Demostró que un álbum podía funcionar como un universo propio, que un artista podía convertir su crisis en una obra que mezclara ambición, vulnerabilidad y una producción imposible de imitar.
Desde entonces, cada músico que ha tratado de seguir su camino sin éxito termina chocando con la misma realidad: ese nivel no se alcanza por accidente. Requiere visión, riesgo y una claridad creativa que rara vez coinciden en un mismo momento.
Un estudio de la Chinese Academy of Sciences demostró que el cerebro sincroniza parpadeos con el ritmo musical sin que lo notes. La investigación de PLOS Biology sugiere que esta respuesta involuntaria podría usarse para detectar trastornos del procesamiento del ritmo.
Un reciente avance en neurociencia realizado por China reveló un modulador inesperado del cerebro humano: ciertos ritmos musicales coordinan movimientos automáticos, incluso cuando crees estar completamente inmóvil. Este hallazgo, retomado por Popular Science, ayuda a entender cómo procesamos ritmo y atención, y apunta a futuras aplicaciones clínicas.
El trabajo, desarrollado por la Chinese Academy of Sciences, confirmó que los oyentes acompasan sus parpadeos al compás de diversas piezas musicales sin recibir instrucciones previas. Esta reacción, totalmente involuntaria, exhibe cómo el sistema auditivo influye en acciones automáticas que operan fuera de la consciencia.
Los investigadores analizaron a más de 100 participantes mientras escuchaban composiciones clásicas con tempos constantes. Los sensores mostraron que los parpadeos espontáneos se alineaban de forma precisa con el pulso musical. Para demostrar la fortaleza del fenómeno, las piezas fueron reproducidas al revés, manteniéndose la sincronía. Incluso un solo tono, ajustado para imitar el compás original, generó un efecto casi idéntico, de acuerdo con lo publicado en PLOS Biology.
Sin embargo, el mecanismo se interrumpe cuando la atención se dirige a otro estímulo. Cuando los voluntarios debían fijarse en un punto rojo en la pantalla, la sincronización desaparecía. Yi Du, autora principal del estudio, destacó en una nota de prensa de EurekAlert que “los parpadeos espontáneos siguen el pulso musical sin que lo pidamos, lo que revela una conexión poco visible entre audición y sistema oculomotor”.
La investigadora añadió que un gesto tan fácil de medir podría convertirse en una herramienta útil para identificar dificultades en el procesamiento del ritmo, particularmente en trastornos donde la percepción temporal o la motricidad automática se ven afectadas.
El estudio también abre la puerta a examinar si otros movimientos involuntarios —como ajustes posturales o variaciones respiratorias— responden también a estímulos musicales. De confirmarse, la música podría ser implementada como un método no invasivo para estudiar la coordinación entre sistemas sensoriales y motores, además de reforzar su potencial terapéutico.
Apple Music distinguió a Tyler, The Creator como Artista del Año 2025, un reconocimiento que corona un periodo de impulsos creativos, récords de reproducciones y una presencia dominante en la cultura pop. Su doble propuesta discográfica, “CHROMAKOPIA” y “DON’T TAP THE GLASS”, reafirmó su versatilidad y lo proyectó como una voz generacional con impacto global.
El cantante estadounidense, Tyler, The Creator se colocó en el centro de la conversación musical internacional tras ser nombrado Artista del Año 2025 por Apple Music. La plataforma destacó la energía creativa del artista, quien reforzó su liderazgo en el hip hop contemporáneo con dos proyectos discográficos que contrastan en tono, ambición y narrativa.
“CHROMAKOPIA”, publicado en 2024, se posicionó como el trabajo más íntimo de su carrera, al abordar temas familiares, identidad y pasajes personales. Su llegada al número uno del Billboard 200 marcó la mejor semana de ventas de Tyler y lo impulsó a romper múltiples marcas de reproducciones. El proyecto acumuló más de 85 millones de escuchas en su primer día en Spotify, consolidándolo como uno de los debuts más fuertes del género.
El ciclo continuó con DON’T TAP THE GLASS, aparecido en este 2025, un álbum mucho más despreocupado y que, en palabras de Tyler, incita al movimiento y al baile, inspirado en el hip hop clásico. Tyler insistió en que la obra buscaba recuperar el sentido de diversión tras la densidad emocional de su disco previo. Esta dualidad —lo introspectivo contra lo lúdico— fue clave en la valoración de Apple Music.
El reconocimiento llega tras un año en el que el artista dominó festivales como Governors Ball, Lollapalooza y Outside Lands, además de celebrar el aniversario número 11 de su propio evento, Camp Flog Gnaw. Paralelamente, su papel en el drama de época Marty Supreme, dirigido por Josh Safdie y protagonizado junto a Timothée Chalamet, añadió otra dimensión a su perfil creativo.
Tyler también figura entre los candidatos destacados rumbo a los Premios Grammy 2026, con nominaciones en categorías centrales como Álbum del Año, Mejor Álbum de Rap, Mejor Álbum de Música Alternativa y Mejor Interpretación de Rap. De acuerdo con Apple Music, la suma de sus logros consolida a Tyler, The Creator como una voz generacional que continúa ampliando los límites del arte y la cultura popular.
Próximas presentaciones en México
Por fortuna, tenemos la oportunidad de ver a Tyler en nuestro país el próximo año, después de su presentación cancelada en el Festival Ceremonia el pasado abril. En 2026 ofrecerá dos conciertos en la Ciudad de México y uno en Guadalajara. En la capital, se presentará los días 24 y 25 de marzo en el Palacio de los Deportes, mientras que en Guadalajara hará su show el 29 de marzo en la Arena Guadalajara. La segunda fecha en la CDMX se confirmó tras agotarse rápidamente la primera función, lo que generó gran expectativa entre los seguidores que buscaban boletos adicionales. La preventa comenzó el 18 de septiembre y la venta general arrancó el 19 de septiembre, a través de Ticketmaster para la Ciudad de México y SuperBoletos para Guadalajara.
Aunque el setlist completo aún se desconoce, se espera que Tyler combine sus nuevos temas con éxitos como EARFQUAKE, See You Again y WUSYANAME. Sus presentaciones forman parte de su gira más reciente, prometiendo a los fans mexicanos una experiencia llena de energía y creatividad, característica de sus shows en vivo.
Los precios de los boletos se mantienen desde $1,103.50 en los niveles más alejados hasta $7,968.25 en las zonas preferentes, un rango que generó polémica por el incremento y las llamadas “tarifas dinámicas” reportadas por usuarios. Aun así, la demanda se mantuvo alta, lo que motivó a Ocesa a abrir la segunda fecha en el Palacio de los Deportes y ofrecer a más seguidores la oportunidad de asistir.
Universal, Sony y Warner acaban de dar un giro clave al respaldar a Klay, una startup que integra IA para permitir a los fans transformar el estilo de las canciones de forma controlada. El acuerdo marca un punto de inflexión: la industria busca aprovechar la tecnología sin perder el control sobre sus catálogos.
El respaldo conjunto de Universal, Sony y Warner a Klay marca un movimiento inédito en la industria musical, la cual atraviesa una ola de tensiones por el uso de inteligencia artificial en la creación y modificación de contenidos. La joven plataforma, fundada por el productor Ary Attie, ofrece un modelo híbrido: un servicio estilo streaming con la posibilidad de rehacer canciones en distintos estilos gracias a herramientas de IA.
Klay obtuvo licencias de miles de temas exitosos para entrenar su modelo, algo que las grandes discográficas habían resistido con firmeza ante otros actores. De acuerdo con fuentes cercanas al proceso, la empresa convenció a los sellos al prometer control sobre el uso de las obras y trazabilidad en cada transformación realizada por los usuarios. El acuerdo llega después de meses de disputas legales en la industria, incluidas las demandas contra Suno y Udio.
La jugada revela un cambio estratégico: los sellos ya no buscan frenar la IA, sino domesticarla. Artistas y productores adoptan estas herramientas cada vez más rápido, y los gigantes del sector entendieron que ignorar ese fenómeno solo los dejaría fuera de la conversación. Spotify y YouTube avanzan en la misma dirección con sus propios experimentos internos.
Klay se convierte así en la primera plataforma con aval de las tres grandes discográficas, un hito que podría convertirse en estándar para futuros proyectos de música generativa. En un mercado donde la innovación ocurre a ritmo acelerado, la alianza pretende equilibrar la creatividad impulsada por IA con la protección de derechos, el activo más valioso de la industria.
Paul McCartney, junto a otros músicos, prepara una pista musical silenciosa dentro de un álbum colectivo sin sonido, como forma de protesta frente al uso de IA en industrias creativas y los posibles cambios legales que afectarían los derechos de autor.
El legendario músico británico Paul McCartney presentará el próximo mes una pista sin audio como parte de un proyecto que busca visibilizar la amenaza que las nuevas políticas gubernamentales tendrían sobre el trabajo creativo. La iniciativa forma parte de un álbum silencioso, concebido para enviar un mensaje contundente a legisladores y empresas dedicadas al desarrollo de inteligencia artificial.
Figuras como Hans Zimmer y Kate Bush se han sumado al proyecto, alertando sobre el riesgo que la IA podría representar para la propiedad intelectual y el sustento de quienes se dedican al arte. La colaboración de McCartney se incluirá en el álbum titulado “¿Es esto lo que queremos?” (“Is This What We Want?”), pieza grabada dentro de un estudio completamente vacío con una duración de dos minutos y 45 segundos.
En total, más de mil artistas contribuyeron al proyecto que surgió originalmente en febrero, entre ellos Annie Lennox, Damon Albarn y Jamiroquai, quienes denuncian que las modificaciones legales propuestas facilitarían el uso de obras protegidas para entrenamiento de IA sin pedir permiso, revirtiendo la lógica del derecho de autor y obligando a los creadores a “optar por no ser vulnerados”.
La discusión sobre tecnología, arte y legalidad ya llegó a instancias oficiales, pues el primer ministro británico Keir Starmer ha señalado la necesidad de equilibrar los derechos de autor y el desarrollo tecnológico, reconociendo al mismo tiempo el potencial de la IA como herramienta global.
Mientras tanto, la industria musical se mantiene en guardia: estudios recientes compartidos por UK Music revelan que 2 de cada 3 artistas y productores temen por el futuro de su carrera ante el progreso de la IA, además de que 9 de cada 10 profesionales exigen protección de su voz, imagen y obra creativa.
Un álbum vacío, con un mensaje fuerte: el silencio como grito colectivo. ¿Arte experimental o el inicio de una nueva forma de protesta artística?
